*p.d*: agradez la informacion al blog madame macabre, es el mas completo,entendible y coherente que encontre, que me aclaro mis dudas sobre el tema.
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Origenes y significado del Camafeo
El Camafeo (cameo en inglés): se asocia con la estética victoriana, si bien data de la época
romana y griega, y antes que ellos los egipcios lograron dominar esta
forma de arte. La elaboración de camafeos es extremadamente difícil y
delicada, y se denomina específicamente glíptica, que es considerada
como una forma de escultura. En los reinados de Augusto y Tiberio eran
la joya más codiciada hasta que fueron olvidados. En el siglo XV se los
vuelve a considerar en alta estima gracias a Lorenzo el Magnífico y los
Médici, pero de nuevo volverían a pasar de moda. No obstante tuvo
importantes admiradoras como Isabel I o Catalina la Grande. Ya en el
siglo XIX sería la siempre elegante Reina Victoria quien los pondría de
moda de nuevo. Es entonces cuando se perfilan los rasgos que conocemos
hoy en día. El fondo del camafeo debe de ser negro, y se prefiere que la
efigie tenga un color crema o blanco. Suelen retratarse escenas de
mitos griegos pues en esta época se da un nuevo interés por el arte
clásico, pero la preferida es la efigie de una mujer joven o bien de una
o varias flores. En esta época se lleva bien como colgante o como
broche.
*p.d*: agradez la informacion al blog madame macabre, es el mas completo,entendible y coherente que encontre, que me aclaro mis dudas sobre el tema.
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Se conoce como anamorfosis (derivado del griego, significa 'trasformar') a un uso particular de las leyes de la perspectiva en la pintura en el que las formas son representaciones distorsionadas de la realidad sobre una superficie plana o curva que cobran sentido cuando se miran desde cierto punto de vista. En otra palabras, con esta técnica se consiguecrear una ilusión óptica usando los conocimientos de las matemáticas y la perspectiva.
Aunque se conoce desde el siglo XV, la técnica se ha hecho muy popular con el desarrollo del moderno 3D Street Art o Street Painting, que recurre a la anamorfosis para crear imágenes en el pavimento que, vistas desde un ángulo determinado, consiguen un verdadero efecto de perspectiva en tres dimensiones. Dos de sus representantes más populares, Julian Beever y Kurt Wenner, dibujan con tiza auténticas obras de arte que parecen cobrar vida en las calles.
[es la definicion mas clara y entendible que encontre n.n, habia cada una. Esta re buena la imagen, voy a buscar mas. *oki no sabes is el programa, donde mostraban a Julian Beever, lo siguen dando???*]
Simple curiosidad mia
Se conoce como anamorfosis (derivado del griego, significa 'trasformar') a un uso particular de las leyes de la perspectiva en la pintura en el que las formas son representaciones distorsionadas de la realidad sobre una superficie plana o curva que cobran sentido cuando se miran desde cierto punto de vista. En otra palabras, con esta técnica se consiguecrear una ilusión óptica usando los conocimientos de las matemáticas y la perspectiva. Aunque se conoce desde el siglo XV, la técnica se ha hecho muy popular con el desarrollo del moderno 3D Street Art o Street Painting, que recurre a la anamorfosis para crear imágenes en el pavimento que, vistas desde un ángulo determinado, consiguen un verdadero efecto de perspectiva en tres dimensiones. Dos de sus representantes más populares, Julian Beever y Kurt Wenner, dibujan con tiza auténticas obras de arte que parecen cobrar vida en las calles.
[es la definicion mas clara y entendible que encontre n.n, habia cada una. Esta re buena la imagen, voy a buscar mas. *oki no sabes is el programa, donde mostraban a Julian Beever, lo siguen dando???*]
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El Koi es descendiente de la carpa común, Cyprinus Carpio, originalmente nativa de Europa Oriental y Persia, la carpa llegó al resto de Europa, América del Norte, América del Sur, Asia y otras áreas del mundo, como un artículo de comercio o comida.
Según el "Manual del Nishikigoi", un libro del Dr. Takeo Kuroki, la palabra "Koi" se usó por primera vez hace aproximadamente 2,500 años en China.
No con el mismo concepto de hoy en día, si no como nombre de los peces, que usaban como motivo principal de la obra de arte china , entalladuras, dibujos etc. Debido a esto, algunos gobernantes chinos, introducen la carpa en cautividad en sus estanques, por el placer de observarla.
En China, puede haber habido mutaciones naturales de la carpa, pero realmente se reconoce a los Japoneses como los verdaderos creadores del Nishikigoi (las Joyas Vivientes) Los Japoneses, son los primeros en observar las mutaciones naturales de la carpa y desarrollarla.
Los granjeros, que se dedicaban al cultivo de arroz, inicialmente utilizaron estos peces como alimento, pero entre 1820 y 1830, empezaron a cruzar algunas carpas, por motivos estéticos. Inicialmente, sólo los granjeros usaron los Koi como animal doméstico, pero a medida que se desarrollan nuevos colores, el interés se extiende a lo largo de la prefectura ( Estado), y después a todo Japón. El interés nacional por el Koi en Japón, aumentó tremendamente cuando el Emperador Hirohito, introdujo los Kois en su estanque del Palacio Imperial ( 1914 )
La mayoría de los aficionados, considera la prefectura de Niigata, en Japón como el lugar de nacimiento del Nishikigoi. Más específicamente, la Ciudad de Ojiya en Niigata se considera como la casa del Nishikigoi.
La carpa salvaje se llamó "Koi" en Japón, pero el término también se usó para la carpa coloreada. El nombre Nishikigoi se aplicó a estos Koi "coloreados", durante la Segunda Guerra Mundial. Hoy en día, a la carpa de colores se la llama simplemente Koi, y el término ha evolucionado, hasta convertirse en un estándar mundial.
El término Nishikigoi se usa en los textos, o para describir el pez dentro de Japón. Muchas personas en Japón, reconocen el término Nishikigoi ( carpa de colores), pero pueden no estar familiarizados con el término Koi. Ahora en Japón a la carpa salvaje, se le llama Magoi.
Las tres mutaciones de la carpa salvaje son: Tetsu (Magoi de color hierro), Doro ( Magoi de color barro), y Asagi (Asagi Magoi).
El tono superficial del Tetsu está cerca del negro del Showa. El Showa, es un pez negro, con patrones rojo y blanco. Algunos creen que el Showa se desarrolló desde el Tetsu, debido a su color negro similar. La variedad Showa es de reciente desarrollo dentro del mundo del koi. Los primeros fueron producidos en 1927.
El Doro tiene una piel de color castaño claro, y puede haber sido una mutación del Tetsu. Se especula que el Chagoi ( koi de color té) y Ogon ( koi metálico) se pueden haber creado, cruzando el Tetsu y el Doro.
El Asagi moderno tiene un color azul oscuro, con sus escamas reticuladas y es un descendiente del Asagi Magoi. Por esto, se considera que el Asagi es uno de los tipos de koi originales. El desarrollo posterior del Asagi, hizo posible la creación del Kohaku ( koi blanco, con patrón rojo ), Taisho Sansoku o Sanke ( koi blanco, con patrones rojo y negro), el Koromo ( koi blanco, con patrón rojo y reticulación negra o azul ) y el Shiro Bekko ( koi blanco, con patrón negro ). También los Asagi Magoi, son los ancestros del árbol familiar de las variedades: Ki-Matsuba ( koi amarillo, con reticulación negra en las escamas), y Aka-Matsuba ( koi rojo, con reticulación negra en las escamas).
En Japón, muchos momentos culminantes en la historia, son datados y se describen durante el reinado de un Emperador. Estas "Eras" en la historia, también se usan para fechar el desarrollo del koi.
LA ERA BUNKA Y BUNSEI
[1804 a 1829]
Durante este tiempo, se producen los primeros kois rojos en Japón. Al principio, el rojo (hi) aparecía en sus mejillas. También se producen kois blancos, que al cruzarlos con los koi con manchas rojas, aparece un koi blanco con el abdomen rojo.
LA ERA TENPO
[1830 a 1843]
Los esfuerzos por mejorar continúan, y se logran kois blancos con el rojo localizado en la frente (Zukinzaburi), una cabeza completamente roja (Menkaburi), y los labios en rojo (Kuchibeni).
LA ERA MEIJI
[1868 a 1912]
En 1888, el koi blanco desarrolla manchas rojas en su parte trasera, dando lugar al Kohaku moderno. Un criador de kois llamado Gosuke, en Utogi (ahora Ojiya, Prefectura de Niigata) es el responsable de desarrollar el Kohaku moderno.
Durante este período, se importa de Alemania la carpa de espejo ( Doitsu ), que se cruza con la carpa coloreada con escamas, para desarrollar las variedades Doitsu-goi.
LA ERA TAISHO
[1912 a 1926]
El koi blanco, con patrón rojo y negro (Taisho Sanshoku o Sanke), se nombró en el honor a la Era Taisho. El primer Sanke, aparece en una exhibición en 1915, pero se cree que tenía 15 años en este momento. En ese caso, esto significaría que nació en la era Meiji. En 1917, se desarrollaron líneas de sangre excelentes de Sanke, algunos criadores de Sanke de hoy, todavía pueden buscar, mirando hacia atrás, los verdaderos orígenes de sus líneas actuales. El Shiro Utsuri ( koi negro, con patrón blanco) se desarrolló en 1925.
LA ERA SHOWA
[1927 al 1989]
Muchos creen que la Era Showa, es de largo la Era más importante, dentro del desarrollo y mejora de calidad de los distintos tipos de koi existentes. Durante este tiempo, el koi deja de ser una afición local y pasa al grado de nacional. Empiezan entonces las competiciones y con ellas el negocio, lo que impulsa mucho a los criadores a mejorar. También comienzan durante esta Era, las primeras exportaciones internacionales.
En 1927 se produce el último miembro de los “Tres Grandes”, el Showa. Los primeros Showas fueron creados al cruzar el Ki-Utsuri ( koi negro, con patrón amarillo) y el Kohaku ( koi blanco, con patrón rojo). Inicialmente apareció un koi con un rojo débil y amarillento. En 1964, un criador llamado Kobayashi, empezó a conseguir grandes mejoras en el rojo del Showa. Hoy en día, la línea de sangre de Kobayashi, es todavía la línea principal usada por los mejores criadores de Showa.
En 1929 aparecen los primeros koi Gin-Rin (escama diamante). La calidad reflexiva y brillante de las escamas dio lugar a este nombre. El Gin-Rin aparece como una fina capa, encima de los pigmentos de las escamas.
El Ogon ( koi amarillo metálico) se produjo en 1946. El moderno Ogon (Yamabuki Ogon) se desarrolló en 1957, cruzando el Kigoi ( koi amarillo, no metálico) con el Ogon ( koi amarillo metálico), esto produce una mejora de calidad significante al koi metálico, y ha llevado a que muchos criadores crucen variedades metálicas, con variedades no metálicas.
El Orenji Ogon ( koi anaranjado metálico) se desarrolló en 1953, y los Kujaku ( koi metálico, con el patrón anaranjado metálico y el negro del Matsuba), se producen en 1960. En los últimos años el Kujaku, debido a la demanda del mercado, ha sufrido un gran incremento de calidad.
El Ai-Goromo ( koi blanco, con patrón rojo y reticulación azul o negra), se creó en 1950 cruzando un Kohaku macho ( koi blanco, con patrón rojo) con un Asagi hembra ( koi azul oscuro, con escamas reticuladas y abdomen rojo).
Yoshioka produce en 1963 los primeros Midori-goi ( koi verde), después de 20 años de esfuerzo, pero desgraciadamente la genética es muy recesiva, y la mayoría se vuelven negros al crecer.
Antes de que los Kois pasasen los inviernos en invernaderos, los tenían en estos estanques que cubrían con troncos y sobre los que se acumulaba la nieve.
LA ERA HEISEI
[1989 al presente]
Muchos criadores actuales han acuñado al Doitsu Yamato Nishiki ( El Sanke Metálico), el nombre de Heisei Nishiki, para hacer honor a la actual dinastía imperial.
La leyenda dice que ellos nadan contra la corriente hasta llegar a una cascada, y que si uno de ellos llegara a alcanzar la parte mas alta de esta cascada se convertirá en un dragón...
El koi representa fortaleza, coraje y paciencia; . El ascenso del koi a la cascada "significa triunfar en la vida".
Mucha gente siente ese valor de nadar en contra de la corriente en río de la vida y lo refleja en su piel.
Hace muchos años lo hacian, principalemente, los miembros de organizaciones criminales japonesas, como los yakuzas, a continuación un poco de su historia...
Un pez muy especial
El Koi es descendiente de la carpa común, Cyprinus Carpio, originalmente nativa de Europa Oriental y Persia, la carpa llegó al resto de Europa, América del Norte, América del Sur, Asia y otras áreas del mundo, como un artículo de comercio o comida.
Según el "Manual del Nishikigoi", un libro del Dr. Takeo Kuroki, la palabra "Koi" se usó por primera vez hace aproximadamente 2,500 años en China.
No con el mismo concepto de hoy en día, si no como nombre de los peces, que usaban como motivo principal de la obra de arte china , entalladuras, dibujos etc. Debido a esto, algunos gobernantes chinos, introducen la carpa en cautividad en sus estanques, por el placer de observarla.
En China, puede haber habido mutaciones naturales de la carpa, pero realmente se reconoce a los Japoneses como los verdaderos creadores del Nishikigoi (las Joyas Vivientes) Los Japoneses, son los primeros en observar las mutaciones naturales de la carpa y desarrollarla.
Los granjeros, que se dedicaban al cultivo de arroz, inicialmente utilizaron estos peces como alimento, pero entre 1820 y 1830, empezaron a cruzar algunas carpas, por motivos estéticos. Inicialmente, sólo los granjeros usaron los Koi como animal doméstico, pero a medida que se desarrollan nuevos colores, el interés se extiende a lo largo de la prefectura ( Estado), y después a todo Japón. El interés nacional por el Koi en Japón, aumentó tremendamente cuando el Emperador Hirohito, introdujo los Kois en su estanque del Palacio Imperial ( 1914 )
La mayoría de los aficionados, considera la prefectura de Niigata, en Japón como el lugar de nacimiento del Nishikigoi. Más específicamente, la Ciudad de Ojiya en Niigata se considera como la casa del Nishikigoi.
La carpa salvaje se llamó "Koi" en Japón, pero el término también se usó para la carpa coloreada. El nombre Nishikigoi se aplicó a estos Koi "coloreados", durante la Segunda Guerra Mundial. Hoy en día, a la carpa de colores se la llama simplemente Koi, y el término ha evolucionado, hasta convertirse en un estándar mundial.
El término Nishikigoi se usa en los textos, o para describir el pez dentro de Japón. Muchas personas en Japón, reconocen el término Nishikigoi ( carpa de colores), pero pueden no estar familiarizados con el término Koi. Ahora en Japón a la carpa salvaje, se le llama Magoi.
Las tres mutaciones de la carpa salvaje son: Tetsu (Magoi de color hierro), Doro ( Magoi de color barro), y Asagi (Asagi Magoi).
El tono superficial del Tetsu está cerca del negro del Showa. El Showa, es un pez negro, con patrones rojo y blanco. Algunos creen que el Showa se desarrolló desde el Tetsu, debido a su color negro similar. La variedad Showa es de reciente desarrollo dentro del mundo del koi. Los primeros fueron producidos en 1927.
El Doro tiene una piel de color castaño claro, y puede haber sido una mutación del Tetsu. Se especula que el Chagoi ( koi de color té) y Ogon ( koi metálico) se pueden haber creado, cruzando el Tetsu y el Doro.
El Asagi moderno tiene un color azul oscuro, con sus escamas reticuladas y es un descendiente del Asagi Magoi. Por esto, se considera que el Asagi es uno de los tipos de koi originales. El desarrollo posterior del Asagi, hizo posible la creación del Kohaku ( koi blanco, con patrón rojo ), Taisho Sansoku o Sanke ( koi blanco, con patrones rojo y negro), el Koromo ( koi blanco, con patrón rojo y reticulación negra o azul ) y el Shiro Bekko ( koi blanco, con patrón negro ). También los Asagi Magoi, son los ancestros del árbol familiar de las variedades: Ki-Matsuba ( koi amarillo, con reticulación negra en las escamas), y Aka-Matsuba ( koi rojo, con reticulación negra en las escamas).
En Japón, muchos momentos culminantes en la historia, son datados y se describen durante el reinado de un Emperador. Estas "Eras" en la historia, también se usan para fechar el desarrollo del koi.
LA ERA BUNKA Y BUNSEI
[1804 a 1829]
Durante este tiempo, se producen los primeros kois rojos en Japón. Al principio, el rojo (hi) aparecía en sus mejillas. También se producen kois blancos, que al cruzarlos con los koi con manchas rojas, aparece un koi blanco con el abdomen rojo.
LA ERA TENPO
[1830 a 1843]
Los esfuerzos por mejorar continúan, y se logran kois blancos con el rojo localizado en la frente (Zukinzaburi), una cabeza completamente roja (Menkaburi), y los labios en rojo (Kuchibeni).
LA ERA MEIJI
[1868 a 1912]
En 1888, el koi blanco desarrolla manchas rojas en su parte trasera, dando lugar al Kohaku moderno. Un criador de kois llamado Gosuke, en Utogi (ahora Ojiya, Prefectura de Niigata) es el responsable de desarrollar el Kohaku moderno.
Durante este período, se importa de Alemania la carpa de espejo ( Doitsu ), que se cruza con la carpa coloreada con escamas, para desarrollar las variedades Doitsu-goi.
LA ERA TAISHO
[1912 a 1926]
El koi blanco, con patrón rojo y negro (Taisho Sanshoku o Sanke), se nombró en el honor a la Era Taisho. El primer Sanke, aparece en una exhibición en 1915, pero se cree que tenía 15 años en este momento. En ese caso, esto significaría que nació en la era Meiji. En 1917, se desarrollaron líneas de sangre excelentes de Sanke, algunos criadores de Sanke de hoy, todavía pueden buscar, mirando hacia atrás, los verdaderos orígenes de sus líneas actuales. El Shiro Utsuri ( koi negro, con patrón blanco) se desarrolló en 1925.
LA ERA SHOWA
[1927 al 1989]
Muchos creen que la Era Showa, es de largo la Era más importante, dentro del desarrollo y mejora de calidad de los distintos tipos de koi existentes. Durante este tiempo, el koi deja de ser una afición local y pasa al grado de nacional. Empiezan entonces las competiciones y con ellas el negocio, lo que impulsa mucho a los criadores a mejorar. También comienzan durante esta Era, las primeras exportaciones internacionales.
En 1927 se produce el último miembro de los “Tres Grandes”, el Showa. Los primeros Showas fueron creados al cruzar el Ki-Utsuri ( koi negro, con patrón amarillo) y el Kohaku ( koi blanco, con patrón rojo). Inicialmente apareció un koi con un rojo débil y amarillento. En 1964, un criador llamado Kobayashi, empezó a conseguir grandes mejoras en el rojo del Showa. Hoy en día, la línea de sangre de Kobayashi, es todavía la línea principal usada por los mejores criadores de Showa.
En 1929 aparecen los primeros koi Gin-Rin (escama diamante). La calidad reflexiva y brillante de las escamas dio lugar a este nombre. El Gin-Rin aparece como una fina capa, encima de los pigmentos de las escamas.
El Ogon ( koi amarillo metálico) se produjo en 1946. El moderno Ogon (Yamabuki Ogon) se desarrolló en 1957, cruzando el Kigoi ( koi amarillo, no metálico) con el Ogon ( koi amarillo metálico), esto produce una mejora de calidad significante al koi metálico, y ha llevado a que muchos criadores crucen variedades metálicas, con variedades no metálicas.
El Orenji Ogon ( koi anaranjado metálico) se desarrolló en 1953, y los Kujaku ( koi metálico, con el patrón anaranjado metálico y el negro del Matsuba), se producen en 1960. En los últimos años el Kujaku, debido a la demanda del mercado, ha sufrido un gran incremento de calidad.
El Ai-Goromo ( koi blanco, con patrón rojo y reticulación azul o negra), se creó en 1950 cruzando un Kohaku macho ( koi blanco, con patrón rojo) con un Asagi hembra ( koi azul oscuro, con escamas reticuladas y abdomen rojo).
Yoshioka produce en 1963 los primeros Midori-goi ( koi verde), después de 20 años de esfuerzo, pero desgraciadamente la genética es muy recesiva, y la mayoría se vuelven negros al crecer.
Antes de que los Kois pasasen los inviernos en invernaderos, los tenían en estos estanques que cubrían con troncos y sobre los que se acumulaba la nieve.
LA ERA HEISEI
[1989 al presente]
Muchos criadores actuales han acuñado al Doitsu Yamato Nishiki ( El Sanke Metálico), el nombre de Heisei Nishiki, para hacer honor a la actual dinastía imperial.
La leyenda dice que ellos nadan contra la corriente hasta llegar a una cascada, y que si uno de ellos llegara a alcanzar la parte mas alta de esta cascada se convertirá en un dragón...
El koi representa fortaleza, coraje y paciencia; . El ascenso del koi a la cascada "significa triunfar en la vida".
Mucha gente siente ese valor de nadar en contra de la corriente en río de la vida y lo refleja en su piel.
Hace muchos años lo hacian, principalemente, los miembros de organizaciones criminales japonesas, como los yakuzas, a continuación un poco de su historia...
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ESTO ES SUPER IMPORTANTE. DIFUNDIR POR FAVOR.
REQUISITOS PARA ADOPTAR:
Sea respetuoso, comuníquese sólo por adopciones por favor. No estamos en condiciones de recibir animales. No tenemos el espacio ni los medios para mantenerlos. No podemos ayudarlo, no insista, no nos traspase un problema, busque alternativas, que siempre las hay. Muchas gracias.
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Esta leyenda es exclusiva de Otaré ni siquiera en Asia que es donde más abundan los tigres se interpreta la vida de este felino haciendo vida común con los humanos por eso es que nuestro pueblo tiene propias historias. Esta historia es tan antigua como Otaré.
La leyenda del tigre
Cuenta la historia acerca de un tigre que apareció en la montaña occidental de Otaré. Su cueva está muy cerca del palmar. La cueva lleva su mismo nombre:” La cueva de del tigre”, terreno apropiado para alimentarse él y sus cachorros por que la quebrada esta a un paso de su cueva. Pero el 5 de enero el tigre coge la cuesta del filo del mico y llega cansado a uno de sus echaderos que queda en el territorio del oso. En esa cordillera caza sus presas alrededor de las dos de la tarde en adelante y cuando el sol se pone empieza a bajar por las Maciegas, montañas que se encuentra hacia el sur occidente de Otaré.
Ya avanza la noche se escuchan sus rugidos desde el monte de las brujas (El monte de las brujas es un monte con muchas leyendas que tiene Otaré), pero el tigre no cree en brujas por que es un animal y por lo tanto amanece ahí. Desde las tempranas horas de la madrugada el tigre se levanta bajo un clima paradisiaco y toma su ruta hacia el norte o sea hacia Otaré. Donde se dice que en la plaza principal había una laguna, la cual el tigre visitaba a la salida del sol para saciar su sed. El cazador Emel Castro observaba desde un árbol alto ubicado en la parte norte de la laguna. Desde ahí observaba la presencia de este felino sediento que llegara a orilla de la laguna.
Pero también se dice que a veces en Villanueva, el barrio ubicado en la entrada del pueblo, ulagaba o espantaba al tigre, entonces Emel salía de su escondite porque ya era tarde y no salía el tigre. Algunos cazadores ya habían informado de este tigre que se metía en el territorio de Otaré. Así que el animal se espantaba y se confundía entre las huertas con matas de plátano, caña y café y era cazado alrededor de las tres de la tarde.
Esta es la historia del 6 de Enero que se vive en Otaré. La cual se repite cada año con personajes pintorescos que simulan al tigre y el cazador, conocido popularmente como el tiznado. Cada vez que muera uno de los que representa ya sea al tigre o al cazador otra persona toma su lugar. El tigre de hoy en día continua haciendo sus recorridos y la historia se repite cada año aquí en este terruño de la cultura occidental.
Ocaña, Diciembre 12 de 2002.
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Popularmente a las brujas se las asocia con ciertas imágenes.
El típico sombrero negro, viejas y feas, con espantosas verrugas en la nariz, un gato negro de compañero, la infaltable escoba para volar, y un gran caldero humeante al fuego...
Pero no todas las historias sobre brujas las pintan tan horripilantes, algunas hablan de mujeres muy hermosas, con ojos seductores, y que tienen la capacidad mágica de transformarse en cualquier otra persona o animal, y con sus encantos logran sacar ventaja de otros y someterlos a su poder.
En la tradición Celta se relata que las brujas consideraban como sus mejores amigos a los gatos erizos, en especial los de color negro. La Bruja utilizaba a su gato, como su sirviente mensajero o secretario y también se decía que era alguna persona transformada por un conjuro, doblegando su voluntad.
Durante la Edad Media nace la falsa creencia de considerar al gato negro como de mal agüero, por pensar que cumplían mandatos de las brujas y esto dio lugar a que los fanáticos sacrificaran a miles de estas bellas e inocentes criaturas. En otros continentes como el Africano los brujos de las tribus zulúes preferían a los gatos de color cobrizo en lugar de los negros.
Según cuenta la leyenda, en el Arca Noé, los ratones se reproducían de una manera alarmante, haciendo peligrar las provisiones por lo que Noé preocupado solicitó ayuda del Señor, quien le indicó que debía acariciar tres veces la cabeza del león. Noé hizo lo que Dios le dijo y el león estornudó surgiendo de sus fosas nasales una pareja de gatos que restablecieron de inmediato el equilibrio en la embarcación.
El gato es un felino cuya historia y origen se remontan al antiguo Egipto. Los egipcios inoculaban a los gatos algunas gotas de su sangre para protegerlos de las enfermedades y los malos espíritus. Estaba prohibido matar a un gato, y la pena por hacerlo era de muerte, era tanto el respeto que existía por este noble animal que cuando el gato moría los egipcios se afeitaban las cejas en señal de duelo.
Los gatos eran animales salvajes que comenzaron su proceso de domesticación hacia el año 3000 a. C., debido a la abundancia de ratones que pululaban en los silos de grano que existían en Egipto. El gran valor del gato como cazador de ratones hizo que los egipcios intentasen y lograsen su convivencia doméstica, pese a lo cual el gato no perdió su status divino. La religión del antiguo Egipto incluyó el gato entre sus símbolos sagrados, estaba considerado como la reencarnación de los dioses en el trance de comunicarse con los hombres y manifestarles su voluntad.
La misma belleza del animal hizo que la diosa Bastet, símbolo de belleza y fecundidad, fuese representada con cabeza de gato.
Fue tal la adaptación del gato a la vida cotidiana de los egipcios, que su muerte era motivo de duelo familiar; Herodoto, en Los nueve libros de la Historia, manifiesta que los moradores de la casa se rapaban las cejas en señal de duelo. Tras su muerte, su cuerpo se embalsamaba y momificaba en locales sagrados, y en el lugar de su enterramiento se colocaba junto a ellos ratones embalsamados. En 1890 fueron halladas en la ciudad de Bubastis amplias necrópolis con más de 300.000 momias de gatos.(...)
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La leyenda del gato negro
Leyendas orientales
Según la leyenda,
el mayor tesoro del emperador chino
Lyn Hi Tian ,era su hermosa hija,
que poseía como mascota a un gato negro.
Un día, el animal se escapó,
y el emperador decretó
que todos los que viesen pasar
al gato negro y no lo atrapasen
serían ahorcados.
Siendo difícil dar captura al gato,
y siguiendo al pie de la letra
el decreto del mandatario,
surgió la leyenda de que
cruzarse con un gato negro
traería la mala suerte
para aquél que se topase con él.
Se oki que no te gusta que insulte peroooooo...... por culpa del estupido tarado del emperador; no quieren a los gatitos negruusss. tengo que defender la dinastia de mi hija. Asi no.
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El Origami o Papiroflexia, como se lo llama en los países de habla hispana, es un arte que se basa en la técnica del plegado de papel, para obtener figuras y formas decorativas.
El término Origami proviene de las palabras japonesas "ori" que significa plegado y "gami" que significa papel.
Es un arte milenario, que Japón desarrolló a partir de la adopción de la invención china del papiro, difundiéndose más tarde a la cultura árabe y posteriormente a toda Europa.
El origami, en su origen, tuvo en Japón un sentido religioso. Más tarde se desarrolló como un pasatiempo y posteriormente, como recurso pedagógico y terapeútico, atrayendo la atención de matemáticos y científicos.
Aunque en esencia el Origami puede parecer y de hecho es una técnica sencilla, el grado de complejidad que ha alcanzado en el transcurso del tiempo, hace que algunas de sus creaciones requieran días de trabajo.
Los plegados de papel tuvieron en principio, un significado ceremonial y religioso. Los noshi, como se los llamaba, eran ofrendas especiales para ciertas celebraciones, de donde se derivan las formas y diagramas básicos de las figuras de Origami. Sus técnicas se popularizaron y fueron transmitidas y recreadas, de generación en generación.
El papel empleado también se fue transformando. En sus orígenes, se fabricaba con fibras vegetales, luego se incorporaron los papeles de colores y más tarde se impuso la forma cuadrada como base para realizar las figuras.
La aplicación al campo de la educación fue realizada por el pedagogo alemán Fröbel, quien incorporó la técnica del Origami a la enseñanza en los jardines de niños.
Luego los matemáticos comenzaron a considerar esta técnica como un valioso recurso para el aprendizaje de la geometría.
El término Papiroflexia con el que se conoce el plegado de papel en los países de habla hispana, fue inventado a principios del siglo XX, por Vicente Solórzano Sagredo, un médico español, que vivió durante muchos años en Argentina.
En la década del cincuenta, Akira Yoshizawa creó un código internacional para unificar la representación de los dobleces de Origami. Más tarde, se comenzaron a explorar nuevos procedimientos para lograr figuras con movimiento, plegados modulares, plegados con billetes y con formas diferentes al cuadrado: triángulos, hexágonos, pentágonos y círculos.
Si bien el Origami tradicional no admite los cortes ni el uso de pegamentos, a partir de la exploración de estas nuevas aplicaciones, esto comenzó a ser cuestionado dando lugar a creaciones de dimensiones monumentales.
(esto es lo mas el maestro yodaaaaaa, o como se escriba, nooooo esto me supera)
La historia del Origami
El Origami o Papiroflexia, como se lo llama en los países de habla hispana, es un arte que se basa en la técnica del plegado de papel, para obtener figuras y formas decorativas.
El término Origami proviene de las palabras japonesas "ori" que significa plegado y "gami" que significa papel.
Es un arte milenario, que Japón desarrolló a partir de la adopción de la invención china del papiro, difundiéndose más tarde a la cultura árabe y posteriormente a toda Europa.
El origami, en su origen, tuvo en Japón un sentido religioso. Más tarde se desarrolló como un pasatiempo y posteriormente, como recurso pedagógico y terapeútico, atrayendo la atención de matemáticos y científicos.
Aunque en esencia el Origami puede parecer y de hecho es una técnica sencilla, el grado de complejidad que ha alcanzado en el transcurso del tiempo, hace que algunas de sus creaciones requieran días de trabajo.
Los plegados de papel tuvieron en principio, un significado ceremonial y religioso. Los noshi, como se los llamaba, eran ofrendas especiales para ciertas celebraciones, de donde se derivan las formas y diagramas básicos de las figuras de Origami. Sus técnicas se popularizaron y fueron transmitidas y recreadas, de generación en generación.
La aplicación al campo de la educación fue realizada por el pedagogo alemán Fröbel, quien incorporó la técnica del Origami a la enseñanza en los jardines de niños.
Luego los matemáticos comenzaron a considerar esta técnica como un valioso recurso para el aprendizaje de la geometría.
El término Papiroflexia con el que se conoce el plegado de papel en los países de habla hispana, fue inventado a principios del siglo XX, por Vicente Solórzano Sagredo, un médico español, que vivió durante muchos años en Argentina.
En la década del cincuenta, Akira Yoshizawa creó un código internacional para unificar la representación de los dobleces de Origami. Más tarde, se comenzaron a explorar nuevos procedimientos para lograr figuras con movimiento, plegados modulares, plegados con billetes y con formas diferentes al cuadrado: triángulos, hexágonos, pentágonos y círculos.
Si bien el Origami tradicional no admite los cortes ni el uso de pegamentos, a partir de la exploración de estas nuevas aplicaciones, esto comenzó a ser cuestionado dando lugar a creaciones de dimensiones monumentales.
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Este ejemplar es, en toda regla, un fósil viviente y el árbol más antiguo del mundo. Su existencia se remonta a 250 millones de años de antigüedad, época del Cretácico y Jurásico, por lo que se sabe que convivió con los dinosaurios. Durante siglos se creyó extinguido, pero en el XVII se descubren nuevos ejemplares en Japón.
La razón de su desconocimiento es que se estuvo cultivando en templos budistas durante centenares de años. Era considerado un árbol sagrado, por ello estuvo protegido y olvidado por el resto del mundo. Hoy se ha convertido en una especie muy apreciada como árbol ornamental, y no es difícil encontrarlo en parques y jardines. Para estos últimos existen variedades de pequeñas dimensiones, ya que el ginkgo puede llegar a medir 30 m. de altura.
Existe confusión en cuanto al origen de su nombre. Podría venir de chino yah-chio, que significa pié de pato, por la forma de sus hojas. Esta acepción pasaría después al japonés ginkgo. Otra teoría apunta a que proviene de Yin Kho, que significa "albaricoque de oro" y que podría deberse a la forma y color de sus frutos.
El ginkgo proviene de Asia Oriental -China y Japón-, hoy sólo se han encontrado ejemplares silvestres en los bosques del estado chino de Chekiang. Pertenece a las gimnospermas, en concreto a la familia de las ginkgoáceas. Las primeras son especies que tienen la semilla al aire, como, por ejemplo, las coníferas; diversas teorías apuntan a que puede ser la planta de semillas más antigua.
Es un árbol diódico, es decir, que el macho y la hembra son ejemplares distintos. Los dos sexos son muy fáciles de identificar, el macho es más esbelto y alargado, y la hembra es ancha y más frondosa. Otra característica de la hembra es, que cuando da sus frutos, éstos desprenden un olor muy desagradable, por lo que normalmente serán los machos los que se planten. Ésta se considera una de las razones de su supervivencia, ya que el mal olor ahuyentaba a los animales y no ingerían sus semillas, que tenían la posibilidad de ser germinadas.
Este árbol puede llegar a alcanzar los 30 m. de altura, aunque existen ejemplares de menor tamaño muy útiles para plantarlos en jardines. Sus hojas son bilobadas, es decir, son dobles y poseen dos lóbulos. Tienen forma de abanico y son semejantes a las del culantrillo.
El suelo óptimo para esta especie es arenoso y ácido, y ha de tener unas buenas condiciones de humedad y drenaje. Le gusta el pleno sol, aunque es muy resistente y se adapta muy bien a la adversidad. La plantación se realizará en primavera o en otoño y el período de crecimiento será de mayo a principios de agosto. Cuando es joven el tronco tiende a curvarse, por lo que, en ocasiones, será necesario, ayudarle con un tutor. Las semillas saldrán a los 30 años de edad, aproximadamente, y se asemejan a una ciruela. El abonado ha de hacerse una o dos veces al año, y es extremadamente resistente a plagas y enfermedades.
Se cultiva también como bonsái de exterior. Debemos protegerlo cuando llegue el pleno verano y en época de crecimiento regarlo abundantemente. De primavera a otoño, haremos la fertilización dos veces al mes, y hasta que alcance los diez años de edad, la realizaremos una vez al año. Durante esta época lo trasplantaremos a principios de primavera, y después cada dos o tres años.
El ginkgo siempre ha estado rodeado de un halo de misticismo y leyenda. Se le considera el árbol de la esperanza y de la vida gracias a su resistencia. En la Segunda Guerra Mundial, la bomba de Hiroshima afectó a cuatro ejemplares de ginko que aún siguen vivos, uno de ellos se ha hecho muy famoso y se ha construido un templo alrededor de él. En China existen ginkgos de hasta 4.000 años de antigüedad. En España se le conocía como árbol de los 40 escudos por ser un ejemplar caro de adquirir.
PARA MAS INFORMACION CONSULTE INFOGARDIN.
El pequeño Ginkgo Biloba
Este ejemplar es, en toda regla, un fósil viviente y el árbol más antiguo del mundo. Su existencia se remonta a 250 millones de años de antigüedad, época del Cretácico y Jurásico, por lo que se sabe que convivió con los dinosaurios. Durante siglos se creyó extinguido, pero en el XVII se descubren nuevos ejemplares en Japón.
La razón de su desconocimiento es que se estuvo cultivando en templos budistas durante centenares de años. Era considerado un árbol sagrado, por ello estuvo protegido y olvidado por el resto del mundo. Hoy se ha convertido en una especie muy apreciada como árbol ornamental, y no es difícil encontrarlo en parques y jardines. Para estos últimos existen variedades de pequeñas dimensiones, ya que el ginkgo puede llegar a medir 30 m. de altura.
Es diódico: macho y hembra son ejemplares distintos
Existe confusión en cuanto al origen de su nombre. Podría venir de chino yah-chio, que significa pié de pato, por la forma de sus hojas. Esta acepción pasaría después al japonés ginkgo. Otra teoría apunta a que proviene de Yin Kho, que significa "albaricoque de oro" y que podría deberse a la forma y color de sus frutos. El ginkgo proviene de Asia Oriental -China y Japón-, hoy sólo se han encontrado ejemplares silvestres en los bosques del estado chino de Chekiang. Pertenece a las gimnospermas, en concreto a la familia de las ginkgoáceas. Las primeras son especies que tienen la semilla al aire, como, por ejemplo, las coníferas; diversas teorías apuntan a que puede ser la planta de semillas más antigua.
Es un árbol diódico, es decir, que el macho y la hembra son ejemplares distintos. Los dos sexos son muy fáciles de identificar, el macho es más esbelto y alargado, y la hembra es ancha y más frondosa. Otra característica de la hembra es, que cuando da sus frutos, éstos desprenden un olor muy desagradable, por lo que normalmente serán los machos los que se planten. Ésta se considera una de las razones de su supervivencia, ya que el mal olor ahuyentaba a los animales y no ingerían sus semillas, que tenían la posibilidad de ser germinadas.
Sus hojas, bilobadas, son semejantes a las del culantrillo
Este árbol puede llegar a alcanzar los 30 m. de altura, aunque existen ejemplares de menor tamaño muy útiles para plantarlos en jardines. Sus hojas son bilobadas, es decir, son dobles y poseen dos lóbulos. Tienen forma de abanico y son semejantes a las del culantrillo. El suelo óptimo para esta especie es arenoso y ácido, y ha de tener unas buenas condiciones de humedad y drenaje. Le gusta el pleno sol, aunque es muy resistente y se adapta muy bien a la adversidad. La plantación se realizará en primavera o en otoño y el período de crecimiento será de mayo a principios de agosto. Cuando es joven el tronco tiende a curvarse, por lo que, en ocasiones, será necesario, ayudarle con un tutor. Las semillas saldrán a los 30 años de edad, aproximadamente, y se asemejan a una ciruela. El abonado ha de hacerse una o dos veces al año, y es extremadamente resistente a plagas y enfermedades.
Árbol místico y de leyenda
Se cultiva también como bonsái de exterior. Debemos protegerlo cuando llegue el pleno verano y en época de crecimiento regarlo abundantemente. De primavera a otoño, haremos la fertilización dos veces al mes, y hasta que alcance los diez años de edad, la realizaremos una vez al año. Durante esta época lo trasplantaremos a principios de primavera, y después cada dos o tres años. El ginkgo siempre ha estado rodeado de un halo de misticismo y leyenda. Se le considera el árbol de la esperanza y de la vida gracias a su resistencia. En la Segunda Guerra Mundial, la bomba de Hiroshima afectó a cuatro ejemplares de ginko que aún siguen vivos, uno de ellos se ha hecho muy famoso y se ha construido un templo alrededor de él. En China existen ginkgos de hasta 4.000 años de antigüedad. En España se le conocía como árbol de los 40 escudos por ser un ejemplar caro de adquirir.
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En el pasado era común que un kimono tuviera un proceso completo aparte para ser lavado, y vuelto a coser para ser usado, porque las puntadas deben ser sacadas para el lavado. Tradicionalmente los kimonos deben ser cosidos a mano. Este proceso tradicional de lavado se llama arai hari, y es muy costoso y difícil, por lo que es una de las causas del declive de la popularidad de los kimonos. La telas modernas y los métodos de limpieza desarrollados eliminan éste proceso, aunque el lavado tradicional de kimonos aún es practicado, especialmente en los kimonos de mayor valor.
Bordados para kimonos
kimonitos
El Kimono
El kimono es el vestido tradicional japonés, que fue la prenda de uso común hasta los primeros años de la posguerra. El término japonés mono significa ‘cosa’ y ki proviene de kiru, ‘llevar’.
Los kimonos tienen forma de letra "pola" y llegan hasta las partes bajas del cuerpo, con cuellos escote en "tita" y amplias mangas. Hay varios tipos de kimonos usados por hombres, mujeres y niños. El corte, el color, la tela y las decoraciones varían de acuerdo al sexo, la edad, el estado marital, la época del año y la ocasión. El kimono se viste cubriendo el cuerpo en forma envolvente y sujetado con una faja ancha llamada obi.
Antiguamente, el kimono se confeccionaba con un material rústico pero cuando Japón fue influenciando por la cultura china y coreana, se introdujo la seda, haciendo que el kimono fuera un traje suntuoso.
Actualmente, la mayoría de los japoneses utiliza ropa occidental pero acostumbran a vestirse con kimonos en ocasiones especiales como bodas, ceremonias o festivales tradicionales.
Los accesorios para acompañar al kimono son los geta (chancletas de madera) o los zori (sandalias bajas hechas de algodón y cuero) y los tabi son calcetines tradicionales que separan el dedo pulgar del resto de los dedos para calzar la sandalia.
Los aficionados a los kimonos en Japón llegan incluso a tomar cursos para aprender a colocarse un kimono correctamente. Las clases abarcan la elección de acuerdo a la temporada, las tramas y figuras a elegir de acuerdo a cada ocasión, la combinación entre la ropa interior y los accesorios de un kimono, el entrenamiento para ubicar cada ropa interior enviando mensajes sutiles, y la selección y prueba del obi, entre otros temas. Existen también clubes devotos a la cultura del kimono, como el Kimono de Ginza.
HISTORIA
La adopción japonesa del ruqun chino durante el Periodo Nara, se desarrolló hasta el actual kimono.
El nombre original del kimono era gofuku (literalmente "ropa del Wu ), debido a que los primeros kimonos estaban fuertemente influenciados por la ropa china Han tradicional, conocida actualmente como hanfu (kanfuku en Japonés). Desde el siglo V se originó una extensa adopción de la cultura china por la gente de Japón, a través de las embajadas japonesas en China. Durante el siglo VII la moda china, y especialmente el cuello traslapado femenino, obtuvo gran popularidad en Japón. Durante el Periodo Heian (794–1192), los kimonos se volvieron incrementablemente estilizados, aunque uno llamado Mo siguió usando una mitad delantal encima. Durante el Periodo Muromachi (1392-1573), un kimono de una pieza llamado Kosode, formalmente considerado ropa interior, comenzó a ser usado sin pantalones hakama sobre él, y estos fueron usados sujetados por un obi . Durante el periodo Edo (1603-1867), las mangas comenzaron a crecer en longitud, y ser usados especialmente por mujeres solteras, y el Obi se hizo más ancho, con varios estilos para sujetarse. Desde entonces, la forma básica del kimono masculino y femenino ha permanecido esencialmente sin cambios. Los kimonos hechos con técnicas tradicionales y finos materiales son considerados como grandes obras de arte.
El Kimono formal fue reemplazado por ropa europea y el Yukata, para el uso diario. Después de un edicto del Emperador Meiji, la policía, los ferrocarrileros y maestros usaron ropa europea. La ropa europea se volvió el uniforme de la armada y las escuelas para varones. Después del gran terremoto de Kantō, los portadores de Kimonos fueron comúnmente víctimas de robos. La Asociación de Manufactureros de Ropa para Mujeres y Niños de Tokio promovió el uso de ropa europea. Entre 1920 y 1930 la indumentaria de marinero reemplazó al hakama de una pieza, como uniforme escolar para niñas. Se dice que el incendio de 1932 de la tienda Nihombashi en Shirokiya, fue el catalizador por el declive de los kimonos como ropa de uso diario (aunque se sugiere que esto es un mito urbano). El uniforme nacional Gokumin-fuku (que era una variación de ropa europea) fue asignado por mandato para hombres en 1940. Actualmente las personas usan comúnmente ropa de origen europeo, y el yukata en momentos especiales.
TIPOS DE KIMONO
KIMONOS FEMENINOS
Furisode.
Hōmongi
• Uchikake: El uchikake es una parte del traje nupcial. Es un kimono de mangas largas ricamente adornado con bordados de colores muy brillantes y con motivos generalmente de grullas, pinos, agua que fluye y flores. Está confeccionado con la mejor seda y la parte inferior está rellenada para darle más volúmen. Se usa encima del shiromuku como una capa y sin obi.
• Shiromoku: Se usa el término shiromuku para referirse al uchikake totalmente blanco. Significa de forma literal “blanco puro”.Originariamente fue utilizado por las mujeres de la nobleza para las ocasiones formales, pero ahora representa un componente esencial en el traje nupcial japonés.
• Kakeshita: El kakeshita es un furisode de un solo color. Al igual que el uchikake posee un dobladillo acolchado.Usos: durante la ceremonia.
• shitagasane: Otro capa de kimono que se usa debajo del kakeshita y es un poco más corto que los otros.Usos: ceremonia nupcial y recepción de la ceremonia.
• Hikifurisode o hanayome: Es un furisode de boda usado por la novia después de la ceremonia. Tiene mangas largas y motivos de brillantes colores por todo el kimono.Usos: después de la ceremonia nupcial (banquete, etc.):
• Mofuku: Mofuku es el kimono japonés tradicional que se usa cuando se expresa tristeza, por ejemplo en los entierros u Hōji (servicio conmemorativo budista). Lo usan mujeres de cualquier estado civil. . Es totalmente negro si ningún tipo de ornamentación, a excepción del escudo familiar (el mofuku lleva 5 escudos).Usos: entierro o servicio conmemorativo budista.
• kurotomesode: El kurotomesode es el kimono más formal para las mujeres casadas. El patrón de estos kimonos se rige por reglas más conservadoras. Por ello, los colores son más sobrios y las mangas más cortas (entre 55 y 70 centímetros ).Es de color negro de fondo y tiene magníficos motivos en la parte inferior colocados de forma asimétrica, con la parte más importante concentrada en la izquierda. Cuanta más edad tiene la mujer, el motivo es más pequeño y se coloca más hacia la parte inferior. En el caso de una mujer más joven mayor es el motivo y más brillantes son los colores que lo componen. Es el más formal y por ello tiene 5 escudos (mon o kamon) estampados, 4 en la parte superior de las mangas y 1 en la espalda. Los accesorios que emparejan han de ser siempre de color dorado o argentado. Usos: ceremonia nupcial y recepción de la ceremonia. Tan solo lo pueden usar las parientes más cercanas a los esposos (madres y hermanas casadas). El resto de las invitadas casadas, según la etiqueta, llevarían un irotomesode con cinco mon.
• Furisode: El furisode es el kimono más formal que usan las mujeres jóvenes, en concreto las solteras. Se caracteriza por unos motivos muy coloridos y exuberantes y de largas mangas, que generalmente llegan hasta los tobillos. Estas característicos son para atraer a los posibles pretendientes.
Usos: Ceremonias nupciales (solo para mujeres jóvenes y solteras), para la primera ceremonia del té del año, graduación del instituto, etc.1
• Irotomesode: Este tipo posee un color de fondo, y al igual que el kurotomesode, los motivos se encuentran en la parte inferior. En Japón el irotomesode puede ser llevado también por mujeres solteras. Según el número de mon (escudos), se decide la formalidad el kimono. Puede puede tener 5, 3, 1 o ningún escudos. Se puede substituir el irotomesode por un hōmongi en una ceremonia formal. Un irotomesode con un escudo es más formal que llevar un hōmongi.En el caso de una ceremonia nupcial las invitadas que llevarían este kimono estarían casadas pero sin ser familia directa de los novios (madres y hermanas), por lo tanto, tanto amigas y otras parientes deberían vestirlo en tal ocasión. Conjuntándolo con obi y zouri plateados o dorados tal y como corresponde según la etiqueta.Usos: Ceremonia nupcial y ceremonia formal.
• Hōmongi: Houmongi literalmente significa kimono de visita y lo pueden llevar tanto mujeres solteras como casadas en ocasiones semi-formales (visitas o fiestas). Puede ser de cualquier color y los patrones asimétricos están teñidos alrededor del cuerpo sin romperse por las costuras. Es menos formal que los anteriores y normalmente difiere el material exterior con el del interior (forro). El largo de las mangas varía según el estado civil.
• Iromugi: Su característica principal es la de un único color. Puede incorporar motivos del mismo tono (como se puede apreciar en el detalle). Es posible usarlo en ocasiones semi-informales y es ideal para la ceremonia del té. Al incorporar un escudo en la parte posterior de la espalda se convierte en una vestimenta más formal. Una pieza que se puede usar sin importar la edad o el estado civil. Está confeccionado con seda crepe o tsumugi.
• Tsukesage: no llevan ningún escudo. Son de uso semiinformal. Los bordados, tintes y tejidos vienen desde el hombro en mano izquierda, así como en mano derecha y al posterior.
• Edo Komon: Edo-komon es un tipo de komon caracterizado por pequeños puntos dispuestos formando motivos más grandes. Es el único komon que puede llevar escudos. Al mirar de lejos un kimono de este tipo parecerá que es de un color sólido, por ello equivale en cuanto a formalidad a un iromuji y se puede usar en las mismas ocasiones.Esta técnica se originó y difundió durante el periodo Edo, cuando la clase samurái era la dominante. (sin escudo, mon) ceremonia del té (tiene la misma formalidad que un iromuji).
• Komon: El komon es un kimono para ser usado diariamente, por lo tanto es el más informal. Los delicados pequeños patrones se distribuyen regularmente decorando la tela, que se tiñe usando plantillas.Usos: para salir a comprar, una comida informal, diariamente, etc.
• Yukata: es un kimono hecho de algodón, que a su vez se divide en dos tipos:uno más elaborado que es utilizado para festivales y fiestas típicas y uno más sencillo (llamado nemaki), el cual utilizaban los japoneses para dormir
KIMONOS MASCULINOS
Para los hombres hay kimonos con diversos estilos y características, a diferencia de los kimonos femeninos, su indumentaria es bastante simple.
Las mangas del kimono masculino están unidas al cuerpo, solo por unos centímetros independientes en la parte inferior. Las mangas masculinas son menos largas que las femeninas para acommodar el obi alrededor de la cintura bajo ellas. Los kimonos masculinos tradicionalmente consisten en cinco piezas:
• El kimono masculino típico es subdividido, y de colores oscuros: negros, azules obscuros, verdes, y cafes son comunes. Las telas son usualmente mate. Algunos tienen un patrón sutil.
• Los kimonos más casuales son comúnmente de telas con textura, pueden ser de colores levemente más brillantes como: morados claros, verdes y azules.
• Los kimonos de los luchadores de sumo han sido ocasionalmente conocidos por ser de colores más brillantes, como el fucsia.
• El estilo de kimono más formal es de seda negra lisa con cinco kamons en el pecho, hombros y espalda. Ligeramente menos formal es el kimono de tres kamons. Éstos son usualmente acompañados con interiores y accesorios blancos.
• Durante el verano, se estila un kimono mucho más fácil de llevar, ligero e informal de algodón, conocido como yukata.
La principal distinción entre los kimonos masculinos es la tela de la que están hechos.
• El Hakama es un pantalón holgado que a veces se usa en artes marciales y posee hasta siete pliegues, cada uno representa las virtudes del guerrero tradicional, (tradicionalmente hasta las rodillas) que se coloca encima del kimono. Usado por hombres y mujeres.
CUIDADO
Pasos para el doblado de un kimono
Pasos para el doblado de un kimono
Nuevos kimonos hechos por encargo son enviados al consumidor con largas puntadas de rociada flojas, alrededor de los bordes exteriores. Estas puntadas son llamadas shitsuke ito, algunas veces son remplazadas por puntadas de almacenaje. Ayudan a prever su amontonamiento, plegamiento y arrugado; y mantienen las capas del kimono alineadas.
Como muchas otras prendas tradicionales japonesas, los kimonos tienen maneras específicas para ser guardados. Estos métodos ayudan a preservarlos y evitan que se arruguen cuando están almacenados. Los kimonos son comúnmente almacenados envueltos en un papel llamado tatōshi.
Los kimonos deben ser puestos a airarse, al menos, estacionalmente, y antes y después de ser usados. Algunas personas prefieren lavar en tintorerías sus kimonos, aunque esto puede ser extremadamente costoso, es en general más barato que lavarlos por el arai hari, además de que no es posible este último método en algunas telas o teñidos.
Junihitoe un tipo de kimono de 12 capas que vestían mujeres de la corte imperial.
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KokeShi Dolls
Kokeshi (こけし), son unas muñecas tradicionales japonesas, originales de la región Tohoku, al norte de Japón. Hechas a mano con madera se caracterizan por tener un tronco simple y una cabeza redondeada pintada con líneas sencillas para definir el rostro. El cuerpo tiene diseños florales y no tiene ni brazos ni piernas. La parte de abajo está marcada con la firma del artesano.
El origen de las figuras Kokeshi se remonta hace unos doscientos años, dentro del Periodo Edo (1603-1867). Se piensa que los artesanos especializados en utensilios de madera, de la región de Tohoku, comenzaron a hacer pequeñas muñecas para venderlas como recuerdo a los turistas que visitaban las aguas termales.
El origen de las figuras Kokeshi se remonta hace unos doscientos años, dentro del Periodo Edo (1603-1867). Se piensa que los artesanos especializados en utensilios de madera, de la región de Tohoku, comenzaron a hacer pequeñas muñecas para venderlas como recuerdo a los turistas que visitaban las aguas termales.
Los caracteres hiragana こけしse acordaron en la Exhibición Japonesa Kokeshi (全国こけし大会) que tuvo lugar en Naruko Onsen en 1939.
Las formas y patrones de las muñecas tradicionales Kokeshi son particulares de cada zona y han pasado de maestro a aprendiz durante años. Hay once tipos de Kokeshi: Tsuchiyu, Togatta, Yajiro, Naruko, Sakunami, Yamagata, Kijiyama, Nanbu, Tsugaru, Zao-takayu y Hijioro. Existen también las llamadas Kokeshi creativas donde al artesano tiene libertad creativa en cuanto a formas, colores y diseño. Este tipo de muñecas es relativamente nuevo, desarrollandose despues de la Segunda Guerra Mundial(1945).
Es precisamente en estas muñecas tradicionales en las que se inspiran las nuevas Kimmidolls, Las muñecas tradicionales Kokeshi han sido toda una institución cultural japonesa durante dos siglos. Su tradición se remonta al periodo Edo (1603-1867) en que los artesanos de la época, conocidos como Kijiya (palabra japonesa que significa ebanista) tallaban las mulecas a mano para luego regalar y ofrecer como símbolo de amor y amistad. Unas muñecas que incluso llegaban a regalarse a los recién nacidos como amuleto de la suerte para desear a los más pequeños buena salud.
Es precisamente en estas muñecas tradicionales en las que se inspiran las nuevas Kimmidolls, Las muñecas tradicionales Kokeshi han sido toda una institución cultural japonesa durante dos siglos. Su tradición se remonta al periodo Edo (1603-1867) en que los artesanos de la época, conocidos como Kijiya (palabra japonesa que significa ebanista) tallaban las mulecas a mano para luego regalar y ofrecer como símbolo de amor y amistad. Unas muñecas que incluso llegaban a regalarse a los recién nacidos como amuleto de la suerte para desear a los más pequeños buena salud.
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Muñecas japonesas.
En japonés, muñeca se dice ningyo, palabra de origen chino compuesta por dos carácteres: el primero significa humano y el segundo forma. A partir de este concepto podemos comprender que las muñecas japonesas no son juguetes, sino una creación artística.
El arte de hacer muñecas apareció en el período Edo (1603-1868). El arte alcanzó la cumbre de su finura durante estos siglos y se perpetuó cuando Japón se abrió el mundo moderno durante la restauración Meiji (1868).
Las muñecas japonesas se hacen de madera, papel, tela o arcilla, siguiendo una amplia gama de técnicas que crean una expresión de serena hermosura y gran variedad de colores. Las muñecas, gracias al lato nivel de habilidad artística que ofrecen, han dejado de ser simples juguetes para niños y se han convertido, gracias a su buena reputación, en objetos artísticos, constituyendo un género separado dentro del campo de la artesanía.
Hina Matsuri (Fiesta de las Muñecas)
El 3 de marzo es el jōshi o jōmi, la segunda de las cinco festividades estacionales (gosekku). Según el antiguo calendario japonés, los melocotoneros (momo) empezaban a florecer por estas fechas, por lo que también recibía el nombre de momo no sekku. De procedencia china, esta festividad era en su origen un ritual de purificación en el que la gente frotaba muñecos de papel (hitogata) sobre sí mismas para transferirles sus impurezas y luego las dejaban flotar en los ríos para que le las llevara la corriente (hina nagashi).
Con el paso del tiempo, estos muñecos se fueron haciendo cada vez más elaborados y durante el periodo Edo (1600-1868) se desarrolló la costumbre de disponer a las muñecas sobre un set (hinadan, a veces traducido como altar de muñecos) y pasó a ser conocido como hina matsuri, el Día de las niñas. En este día, se deseaba que las niñas crecieran con salud y tuvieran un matrimonio feliz.
Todos los niveles del altar de muñecos están cubiertos por el dankake, también llamado mōsen (alfombra). En ocasiones, se suele colocar en la parte superior del altar el goten (palacio) o gotendai (plataforma del palacio), que tiene espacio para colocar, al menos, a la pareja imperial, aunque a veces permite colocar los muñecos del segundo nivel, e incluso muñecos de otros niveles.
El arte de hacer muñecas apareció en el período Edo (1603-1868). El arte alcanzó la cumbre de su finura durante estos siglos y se perpetuó cuando Japón se abrió el mundo moderno durante la restauración Meiji (1868).
Las muñecas japonesas se hacen de madera, papel, tela o arcilla, siguiendo una amplia gama de técnicas que crean una expresión de serena hermosura y gran variedad de colores. Las muñecas, gracias al lato nivel de habilidad artística que ofrecen, han dejado de ser simples juguetes para niños y se han convertido, gracias a su buena reputación, en objetos artísticos, constituyendo un género separado dentro del campo de la artesanía.
Hina Matsuri (Fiesta de las Muñecas)
El 3 de marzo es el jōshi o jōmi, la segunda de las cinco festividades estacionales (gosekku). Según el antiguo calendario japonés, los melocotoneros (momo) empezaban a florecer por estas fechas, por lo que también recibía el nombre de momo no sekku. De procedencia china, esta festividad era en su origen un ritual de purificación en el que la gente frotaba muñecos de papel (hitogata) sobre sí mismas para transferirles sus impurezas y luego las dejaban flotar en los ríos para que le las llevara la corriente (hina nagashi).
Con el paso del tiempo, estos muñecos se fueron haciendo cada vez más elaborados y durante el periodo Edo (1600-1868) se desarrolló la costumbre de disponer a las muñecas sobre un set (hinadan, a veces traducido como altar de muñecos) y pasó a ser conocido como hina matsuri, el Día de las niñas. En este día, se deseaba que las niñas crecieran con salud y tuvieran un matrimonio feliz.
El primer hina matsuri de una niña se llama hatsuzekku y es muy típico que los abuelos le regalen el primer juego de muñecas hina, un elaborado y caro conjunto de hasta 7 niveles con 15 muñecas y pequeños enseres domésticos que recrea el matrimonio imperial en el período Heian (794-1185). Estos muñecos no son como los que las niñas utilizan a diario para jugar, sino que son muñecos ceremoniales, y muchas veces son heredados de padres a hijos
Las niñas van decorando cada año los diferentes niveles con las muñecas y accesorios que les van regalando, y alrededor de este altar se colocan flores de melocotonero, pasteles de arroz como el hishimochi, sake, etc., a modo de ofrendas.Todos los niveles del altar de muñecos están cubiertos por el dankake, también llamado mōsen (alfombra). En ocasiones, se suele colocar en la parte superior del altar el goten (palacio) o gotendai (plataforma del palacio), que tiene espacio para colocar, al menos, a la pareja imperial, aunque a veces permite colocar los muñecos del segundo nivel, e incluso muñecos de otros niveles.
El hinadan se coloca entre 10 días y una semana antes del 3 de marzo y se retira inmediatamente después de esa fecha. De lo contrario, existe la creencia de que la niña tardará en casarse.
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Raquel Méndez
Al día siguiente, se realiza la ceremonia del san-san-kudo (tres-tres-cambios). En esta ceremonia, la maiko y la oneesan-Geisha de ésta se ofrecen mutuamente sake (licor de arroz), y beben tres sorbos, de tres copas pequeñas (las utilizadas para beber el sake). Luego intercambian la copa con la okaasan de la okiya, y con los cinco testigos de la ceremonia. La ceremonia difiere un poco, dependiendo del hanamachi donde se desarrolle.
Mientras transcurre su aprendizaje, y cuando su okaasan considera que ya es el momento, la maiko pasa a una nueva ceremonia que se denomina Mizuage. Ésta consistía en la desfloración de la joven maiko, o la venta de su virginidad, y marcaba su paso de ser considerada una niña a ser vista como una joven mujer. A veces el que ofrecía dinero por una maiko, luego se convertía en su danna, es decir en su protector, aunque la palabra significa literalmente “marido”, pero no se casaban con las maikos, y la mayoría de estos dannas ya estaban casados. La encargada de “negociar” la desfloración era la okaasan, y la ofrecía a los clientes habituales de alto poder adquisitivo, y bien vistos dentro de la okiya y del hanamachi, o al que manifestará su deseo de convertirse en su danna.
En la parte de la nuca, se utiliza un esténcil, que permite realizar un dibujo en dos puntas, de tres (usado en ceremonias), y recientemente en forma de semi-círculo.
Maikos: El kimono de una maiko, difiere mucho del de la Geisha. Es muy llamativo, y con fondos estampados, siendo el dibujo del mismo muy elaborado. El kimono, es un trabajo artesanal, estampados en hermosas sedas, y hechos a la medida de cada maiko. Cada maiko cuenta con una colección variada, para las distintas ocasiones y estaciones del año. Este estilo tan colorido del kimono usado en la etapa de maiko, se denomina Furisode. El kimono de la maiko cuenta además con la característica de tener largas mangas, llegándole incluso hasta los talones, éstas se van acortando a medida que avanza en su aprendizaje, y también va cambiando el estilo de kimono.
Es como una especie de pasador, que se coloca a nivel de la cintura frente al Obi.
Es una larga y estrecha banda de seda, que ayuda a mantener el obi en su sitio.
Maiko: Utilizan sandalias o suecos, llamadas Okobo de aproximadamente 10 cms de alto son de paulownia, que es una madera autóctona de Japón. La cinta que va entre los dedos, cambia de color a medida que avanza en su aprendizaje, comenzando por el rojo, continua el rosa, y finalmente el color lila. Los okobo llevan un cascabel dentro, por lo que es normal que cuando se escucha uno, una maiko debe de estar a punto de aparecer a nuestros ojos.
KASA
Esto es algo hermoso.Cuando sea grande quiero ser como ellas.
GEISHAS: DONCELLAS DEL PLACER
Raquel Méndez
Cuando escuchamos la palabra “Geisha”, se suceden una serie de imágenes. Esas delgadas mujeres envueltas en hermosos kimonos, caminando a pasitos rápidos y cortos por las estrechas calles de Kyoto, con la cara pintada de blanco, semejando a un mimo o a un Pierrot, con la mirada perdida, sumida en sus propios pensamientos.
Después de la desaparición de la figura del samurai, la Geisha junto con los luchadores del sumo, son el único exponente del pasado de Japón. La Geisha aún permanece con el paso del tiempo, después de más de 400 años, y en el presente sigue causando fascinación, y muchas preguntas en torno a ella. El Festival más esperado cada año en Gion, es el de los cerezos en flor, para ver salir en todo su esplendor a todas las Geishas y maikos de sus hanamachi.
La palabra GEISHA proviene de los fonemas chinos “Gei”, que quiere decir arte, habilidad, y “Sha” que significa persona. Eso es lo que representa una Geisha, una persona con la habilidad en distintas artes.
En la antigüedad, específicamente en la Era de Edo hasta la Era de Meiji, esta palabra se utilizaba para referirse sobre cualquier persona que perteneciera a las artes (poesía, teatro, pintura), pero se extendía a otros sectores (religioso, deporte, maestros de lenguas extranjeras, e incluso para referirse a los cirujanos de la época), también se designaba con este nombre a los que actuaban en locales cerrados o privados, que quizás es lo que se acerca también a la idea de la Geisha. La Geisha aparece en la Era de Edo, conocida también como “la Geisha machi”, la Geisha urbana.
La antecesora de la Geisha, son las odoriko, que eran las bailarinas, pero si nos remontamos años más atrás, podríamos sacar sus raíces del “kabuki odori” (bailarines del teatro ambulantes). Estas bailarinas, hermosamente ataviadas en Kimonos de seda, realmente eran hombres en su mayoría, y se encargaban de bailar ante los samuráis, de realizar la ceremonia del té, servirles sake, y de tocar el shamisen (instrumento de cuerda, parecido a la guitarra, pero de tres cuerdas, y con un sonido muy melódico), este baile era conocido como Okuni.
Estando sus raíces ligadas al teatro kabuki, podemos inferir que de allí también proviene la tradición de pintar su cara en blanco.
En la Era Edo, los que tenían el poder económico eran los comerciantes. Éstos buscaban formas de distracción, con lo cual los sitios donde se representaba el kabuki fueron en crecimiento. No solamente las artes fueron en crecimiento, sino también la prostitución, convirtiendo ciertos sitios en perniciosos. El shogunato de Tokugawa no vio con buenos ojos las representaciones del kabuki en el distrito de Yoshiwara, porque eran las causantes de que se hubiesen iniciado “nuevas practicas de placer". Esto motivó a su prohibición, y todo tipo de actividad de distracción fue establecida en lo que se denominó “distritos de placer”. Es decir, la prostitución no fue prohibida sino confinada a estos sitios, y bajo el control del gobierno.
En el año 1779, las Geishas fueron reconocidas como artistas, y se adoptó el sistema "Kenban" para supervisar a las geishas de la zona, y restringió su número por debajo de 100 artistas, protegiendo así a las geishas de que cayeran en la prostitución. El kenban, permanece aún hoy en día funcionando como una especie de sindicato de las geishas.
Las geishas y maikos vivían en “hanamachis” (ciudad de flores, hana=flor, machi=ciudad), que eran las ciudades autorizadas a que fueran habitadas por las mismas. En la actualidad, son cinco comunidades en Kyoto: Ponto-cho, Gion-Kobu, Gion-Higashi, Miyagawa-cho, y Kamishichiken. Las geishas de Kyoto hablaban en dialecto "kiotense", que se sigue hablando en la actualidad. En kiotense geisha es geiko.
Muchas prostitutas trataban de imitar el estilo de las geishas, pero no tenían la formación artística de éstas. Se vestían en kimonos, con exceso de maquillaje y excesos de adornos en el peinado, por lo que por nuevo edicto del shogun Tokugawa, y para protección de la imagen de las geishas, se obligaba a las mismas a moderar su vestuario y maquillaje para poder diferenciarlas de las prostitutas.
Quizás sea por ello que durante un tiempo se confundían a las geishas con éstas, porque vivían además en las casas de “lámparas rojas”, pero el caso es que no podemos decir que las geishas fueran prostitutas.
Ellas sólo se encargaban de distraer a los hombres, con amenas conversaciones, con danza, o tocando el shamisen. Las geishas y maikos que bailaban se denominaban Tachikata, y las que se dedicaban a tocar un instrumento, Jikata.
El tiempo de la geisha y maiko con cada hombre, se media en varitas de incienso, cuando ésta se consumía había finalizado su tiempo.
Las geishas y maikos, contaban con un pacto de silencio, por lo que cualquier hombre podía estar tranquilo con las conversaciones que se mantuvieran delante de ella, o con ella.
En esas zonas de placer, como eran llamadas, surgieron numerosa Ochayas, que son las casas de té donde las Geishas atienden a sus clientes
ETAPAS Y CEREMONIAS PARA SER GEISHA
Primero os hablaré de las distintas etapas y ceremon
ias, que debe seguir una aprendiz para convertirse en Geisha, y posteriormente sobre las diferencias de pies a cabeza, literalmente, entre una maiko y una Geisha.
ias, que debe seguir una aprendiz para convertirse en Geisha, y posteriormente sobre las diferencias de pies a cabeza, literalmente, entre una maiko y una Geisha.
Debido a la proliferación de esas Ochayas, y a la miseria y hambruna con la que contaban algunos campesinos de la época, las niñas eran vendidas a las Okiyas, que eran las casas donde vivían todas las Geishas, bajo la tutela de una Geisha anciana (Okami-san), a la que llamaban Okaasan (madre en japonés).
La niña vendida adquiría así una “deuda” con su compradora, que pagaría con el dinero que ofrecerían por ella, los hombres que solicitaran sus atenciones cuando se convirtiera en maiko, y más tarde en Geisha. A partir de allí, formaban parte del grupo de aprendizaje para ser Geisha, y en esta etapa la futura Geisha es conocida bajo el nombre de Shikomi. Al principio la Shikomi, realizaba tareas de servicio, y su formación se iniciaba con clases de canto, baile, modales, ikebana, ceremonia del té, shodô, pero también era importante que tuviera educación, y por tanto asistían al colegio.
Cuando la Shikomi alcanzaba la edad de 15
años, ésta era ascendida a ser maiko, que es la que antecede a la Geisha. Éste es el día más importante y especial, y se realiza una ceremonia preparatoria para su nombramiento.
años, ésta era ascendida a ser maiko, que es la que antecede a la Geisha. Éste es el día más importante y especial, y se realiza una ceremonia preparatoria para su nombramiento.
La Shikomi debe encontrar una oneesan (hermana mayor en japonés), la cual será de ahora en adelante su tutora. Esta oneesan-Geisha, no tenía porque ser de la misma okiya, sin embargo era lo más común que así fuera.
Antes del nombramiento, se celebra la ceremonia denominada omisedashi, que representa el debut de la maiko. Ese día, se cuelgan carteles o posters con el nombre de la nueva maiko y el de su oneesan, así como de la okiya a la que pertenecen. Se hacen pequeñas hojas con la misma información, las cuales se distribuyen en todas las okiyas del hanamachi. La costumbre también marca la distribución de servilletas con el nombre de la maiko, la oneesan y el kanji “kotobuki” que simboliza la enhorabuena.
Esas mismas servilletas, son realizadas en tela por los comerciantes de las boutiques de kimonos, y llevan bordada la información descrita anteriormente. Éstas reciben el nombre de mokuroku, que la nueva maiko recibe de regalo de estos comerciantes, de los clientes de su oneesan, y artistas-generalmente del teatro kabuki- del hanamachi. La Geisha también recibe estos regalos.
Al día siguiente, se realiza la ceremonia del san-san-kudo (tres-tres-cambios). En esta ceremonia, la maiko y la oneesan-Geisha de ésta se ofrecen mutuamente sake (licor de arroz), y beben tres sorbos, de tres copas pequeñas (las utilizadas para beber el sake). Luego intercambian la copa con la okaasan de la okiya, y con los cinco testigos de la ceremonia. La ceremonia difiere un poco, dependiendo del hanamachi donde se desarrolle.
La nueva maiko, recibe un nombre nuevo dado por su oneesan-Gueisha. La oneesan-Geisha se convierte en la guía, confidente, protectora, supervisora, y tutora de la nueva maiko asignada, y es a la que le corresponde continuar con el proceso de entrenamiento de la futura Geisha. Después de la ceremonia, la maiko ya es reconocida como tal dentro de la okiya y el hanamachi, es decir se ha hecho su presentación en sociedad.
La nueva maiko continua con su etapa de aprendizaje, esta etapa se denomina Minarai. Es responsabilidad de la oneesan-Geisha, llevar a la maiko al ozashiki donde la maiko asistirá en calidad de oyente, y observadora del trabajo que realiza su Geisha hermana. Aprende las formas y maneras que debe tener una Geisha, conoce a potenciales clientes, y se da a conocer mientras está en su fase de entrenamiento. Durante esta etapa, la maiko continua con las clases en el arte que haya seleccionado (baile, canto, o música).
Mientras transcurre su aprendizaje, y cuando su okaasan considera que ya es el momento, la maiko pasa a una nueva ceremonia que se denomina Mizuage. Ésta consistía en la desfloración de la joven maiko, o la venta de su virginidad, y marcaba su paso de ser considerada una niña a ser vista como una joven mujer. A veces el que ofrecía dinero por una maiko, luego se convertía en su danna, es decir en su protector, aunque la palabra significa literalmente “marido”, pero no se casaban con las maikos, y la mayoría de estos dannas ya estaban casados. La encargada de “negociar” la desfloración era la okaasan, y la ofrecía a los clientes habituales de alto poder adquisitivo, y bien vistos dentro de la okiya y del hanamachi, o al que manifestará su deseo de convertirse en su danna.
Después de la II Guerra Mundial esta práctica fue prohibida, así como la venta de las niñas a las okiyas. Hoy en día, las geishas y maikos que existen en Japón son por decisión propia, para mantener esta tradición, así como también corresponde a ellas la libre elección y selección de mantener o no relaciones sexuales, o de tener un danna.
Aproximadamente cuando la maiko cumple 20 años, y siempre bajo el criterio de su okaasan, esa maiko que ha pasado el mizuage ya estará preparada para ser una Geisha. La ascensión de maiko a Geisha, se realiza nuevamente con una ceremonia denominada Erikae. En ella, la maiko cambia su forma de vestir, utiliza un kimono kosode en vez del furisode llevado hasta ahora, y cambia el cuello de su kimono de rojo a blanco, así como su maquillaje y peinado. A partir de ahora, el ser una geisha indica que es una mujer madura, y como tal se debe comportar.
Oigo por ahí voces, mientras escribo, que dicen: ¡¡Me he hecho un lio con las maikos y las geishas!!
Os he hablado de las dos figuras , de la maiko y de la geisha, pero cómo podemos diferenciarlas. Realmente, hasta en le mínimo detalle lo podreís hacer.
PEINADO
Maikos: Cuando la joven Shikomi llega a
la etapa de Minarai, antes de su debut como maiko, su cabello debe haber crecido lo suficientemente largo para que pueda llevar los elaborados peinados que se realizarán con su propio pelo. En la elaboración de estos peinados, se utilizaban varios elementos decorativos llamados kanzashi. Estos son como orquillas planas forradas en coloridas sedas, de múltiples formas, tamaños y colores, y los mismos cuentan con una larga colección para cada mes del año, así como para cada estación. Utilizan además, trozos de cintas de seda llamadas kanoko, y el miokuri y kanoko-dome que son como una especie de peinetas, de forma rectangular en color rojo, dorado y bronce. El primer estilo de peinado que lleva la maiko, se denomina Wareshinobu
la etapa de Minarai, antes de su debut como maiko, su cabello debe haber crecido lo suficientemente largo para que pueda llevar los elaborados peinados que se realizarán con su propio pelo. En la elaboración de estos peinados, se utilizaban varios elementos decorativos llamados kanzashi. Estos son como orquillas planas forradas en coloridas sedas, de múltiples formas, tamaños y colores, y los mismos cuentan con una larga colección para cada mes del año, así como para cada estación. Utilizan además, trozos de cintas de seda llamadas kanoko, y el miokuri y kanoko-dome que son como una especie de peinetas, de forma rectangular en color rojo, dorado y bronce. El primer estilo de peinado que lleva la maiko, se denomina Wareshinobu
Cuando ha pasado el mizuage o tiene su danna, el estilo del peinado de la maiko cambia al Ofuku, que a pesar de que se parece al estilo Wareshinobu, en la parte trasera, el kanoko es remplazado por el chirimen-teragami, el cual es una cinta en forma triangular que se lleva insertada en la parte de arriba del moño, en vez de entrelazarlo dentro del moño como en el estilo Wareshinobu.
A parte de estos dos estilos de peinados, las maikos utilizaban otros tres. El katsuyama o marumage, que es más utilizado en las épocas estivales, y que ya era conocido desde el siglo XVII. Éste lo llevan en las fiestas de Gion en el mes de julio, que era el mismo tipo de peinado que llevaban las mujeres casadas en las Eras de Edo y Shoowa. El yakko-shimada se reserva a las ocasiones especiales como festivales, banquetes, y en especial para el festival de año nuevo.
El estilo sakko es el reservado para el debut de la maiko en Geisha, y sólo se diferencia porque la maiko corta parte de su pelo de la coronilla, quedándole un poco en punta, expresando así su deseo de ser Geisha. En otros hanamachis, la tradición es distinta, ya que le dejan una especie de cola de pelo (pero que no es de su propio pelo) en el peinado y en la parte posterior, aproximadamente al nivel de la nuca, y tras una ceremonia esa cola se corta, y también expresa el deseo de la maiko de ser Geisha. Esta ceremonia, también era un ritual seguido en los matrimonios, y expresaba el deseo de la mujer de ser devota a su marido, y a la familia que con él tuviese.
Curiosamente en occidente, especificamente en España, he oido muchas veces la expresión: "Me he cortado la cola", empleada por el género masculino, para indicar que ha sentado cabeza y que ha establecido una relación formal y duradera con una mujer. ¿Vendrá de Japón esta expresión?. Misterios.... =O)
No me aparto del tema, y sigo...
En otros hanamachis, se daba el caso de que utilizaban estos cinco estilos, y otros cinco estilos más, pero realmente existe poca información en cómo eran éstos.
Debido a lo elaborado de los peinados, y al coste económico que representaba, las maikos iban una vez a la semana al peluquero, y para no estropear su peinado, debían dormir en un omaku o makura, una especie de mueble de madera que lleva una pequeña almohada, donde se apoya la nuca.
Para mantener el brillo y color del cabello, las maiko utilizaban una pasta a base de aceites y tintes que el peluquero colocaba antes del peinado. Debido a ese producto pringoso que llevaban por días, y a los constantes tirones de pelo en el peinado de sus largas cabelleras, las maikos sufrían de alopecia prematura. Para dar volumen a su peinado, usaban a extensiones de pelo, y trozos de papel.
Geishas: Las Geishas por su parte, hasta el año 1960 peinaban sus cabellos igual que las maikos, pero luego, cambiaron su costumbre por el uso de pelucas de pelo natural, que en japonés se llaman katsura. Éstas eran confeccionadas a la medida de la cabeza, y de la fisonomía de la cara de la geisha. Actualmente se ha convertido en un negocio, y existen tiendas especializadas en su confección. Podéis ver un video de la fabricación de la katsura. Katsura video
Una Geisha sólo contaba con tres tipos de katsura. La shimada, que se usaba en ceremonias, la tsubushi-shimada que era la de uso diario, y la mae-ware usada en los espectáculos de danza cuando interpretaba un papel masculino.
Los kanzais usados por la Geisha no eran tan elaborados, de hecho usaba pocos y muy discretos, y las orquillas no iban recubiertas en seda. Estos adornos solían ser de dos tipos: una peineta de ébano, acompañada de una orquilla decorada con una perla de jade, que utilizaban en la época de verano. El otro tipo, era otra peineta de caparazón de tortuga, acompañada de una orquilla con una perla de coral.
MAQUILLAJE
Maikos: El maquillaje de la Geisha y maiko, también es muy diferente. Las maikos pintan su cara de blanco, pero dejan una línea 
de piel sin pintar alrededor de la raíz del pelo, sus mejillas van pintadas con polvos color rosa oscuro.
La parte de afuera del ojo va maquillado en rojo, así como las cejas, y a medida que va pasando el tiempo de aprendizaje, el color va pasando poco a poco al negro a través de mezcla de colores. Dependiendo de la jerarquía de la maiko, la forma de pintar sus labios también es distinta, en una primera fase sólo pinta en rojo el labio inferior, siendo el maquillaje del mismo por dentro de la línea natural de su labio, es decir reflejando un labio más pequeño que el que realmente tiene. Cuando la maiko ha avanzado en su aprendizaje, maquilla en rojo sus dos labios, pero al igual que en la fase inicial por dentro de la línea natural de sus labios.
de piel sin pintar alrededor de la raíz del pelo, sus mejillas van pintadas con polvos color rosa oscuro.
La parte de afuera del ojo va maquillado en rojo, así como las cejas, y a medida que va pasando el tiempo de aprendizaje, el color va pasando poco a poco al negro a través de mezcla de colores. Dependiendo de la jerarquía de la maiko, la forma de pintar sus labios también es distinta, en una primera fase sólo pinta en rojo el labio inferior, siendo el maquillaje del mismo por dentro de la línea natural de su labio, es decir reflejando un labio más pequeño que el que realmente tiene. Cuando la maiko ha avanzado en su aprendizaje, maquilla en rojo sus dos labios, pero al igual que en la fase inicial por dentro de la línea natural de sus labios. 
Geisha: El maquillaje de la Geisha es mucho más discreto. Su cara también se pinta en blanco, y no deja la línea del color de su piel, ésta es recubierta con la katsura. Sus mejillas llevan un polvo color rosa, pero es mucho más suave y tenue que el de las maiko. Sus ojos llevan una línea negra dentro y fuera del ojo, y la parte de afuera del ojo la maquilla de un profundo rojo. Las cejas las pinta de negro, y sus dos labios van pintados de rojo en su totalidad.
Cuando la Shikomi era presentada para hacer su debut como maiko, ésta era maquillada para tal fin por una tercera persona, pero a partir de entonces sería una labor individual.
La pintura que recubre el rostro tanto de maikos y geishas, recibe el nombre de bintsuke-abura, y el maquillaje blanco se llama shironuri. Esta pintura era a base de un aceite que se funde en las manos, y que luego se mezclaba con agua, y se aplicaba con un pincel en el torso, cara, y cuello.
En la parte de la nuca, se utiliza un esténcil, que permite realizar un dibujo en dos puntas, de tres (usado en ceremonias), y recientemente en forma de semi-círculo.
La nuca para los japoneses, era considerado un punto sensual de la mujer, y dejar ver una parte de su piel natural reforzaba su sensualidad.
Los labios, también se pintaban con una crema que se mezclaba con agua, y se le añadía un punto de azúcar cristalizada para darles brillo.
El maquillaje de los ojos y cejas, como os comenté es de color rojo, y el mismo se realizaba con la aplicación de una especie de cera sobre ellos. Dependiendo del hanamachi al que perteneciera la maiko y geisha, la forma de maquillar sus ojos variaba.
En la antigüedad, los elementos usados en el maquillaje eran muy rudimentarios, a tal punto que las geishas quedaban estigmatizadas en su cara y pelo. La pasta utilizada de color blanco, para el maquillaje de su cara poseía un alto contenido en plomo, que a la larga les producía manchas sobre la piel de la misma, por otra parte, los productos para el pelo, les producía la caída de cabello, y esa caída de cabello era muy pronunciada, al punto de que muchas llegaban casi calvas a su vejez. En la actualidad, la crema blanca es a base de polvos de arroz, pero el problema de la alopecía persiste.
Tanto geishas y maikos, debían estar siempre impecables en cuanto al maquillaje y el peinado, empleaban horas en ello, y parte de su aprendizaje se basaba en estos dos aspectos. Estos dos aspectos, son parte de la carta de presentación de ellas, y un error es punto de crítica y burla entre sus compañeras, y el hanamachi entero.
KIMONO
Maikos: El kimono de una maiko, difiere mucho del de la Geisha. Es muy llamativo, y con fondos estampados, siendo el dibujo del mismo muy elaborado. El kimono, es un trabajo artesanal, estampados en hermosas sedas, y hechos a la medida de cada maiko. Cada maiko cuenta con una colección variada, para las distintas ocasiones y estaciones del año. Este estilo tan colorido del kimono usado en la etapa de maiko, se denomina Furisode. El kimono de la maiko cuenta además con la característica de tener largas mangas, llegándole incluso hasta los talones, éstas se van acortando a medida que avanza en su aprendizaje, y también va cambiando el estilo de kimono.
Como ya os comenté anteriormente, el cuello del kimono de la maiko es de color rojo, y una franja en la parte baja de su kimono, también es de ese color. Esta combinación (naga-juban), sólo la llevan las maiko que están en su fase inicial de aprendizaje. Adicionalmente, el kimono lleva motivos decorativos en el dorso, que depende también de la jerarquía que tenga, la maiko en su fase inicial de entrenamiento los lleva en ambos costados, y la maiko avanzada sólo de un lado.
Geisha: Las geishas por su parte, utilizan kimonos m
ucho más discretos, son colores más bien planos, sin estampados, o si los llevase no tan llamativos a primera vista. Al igual que las maikos, sus kimonos son hechos a mano, a medida y en hermosas telas de seda, respetando las estaciones y las ocasiones a ser usado. Una geisha de categoria cuenta con 24 o más kimonos en su haber. Los colores más usados por las geishas de edad más avanzada son el beige, el gris, y el azul oscuro.
ucho más discretos, son colores más bien planos, sin estampados, o si los llevase no tan llamativos a primera vista. Al igual que las maikos, sus kimonos son hechos a mano, a medida y en hermosas telas de seda, respetando las estaciones y las ocasiones a ser usado. Una geisha de categoria cuenta con 24 o más kimonos en su haber. Los colores más usados por las geishas de edad más avanzada son el beige, el gris, y el azul oscuro.
El cuello que llevan debajo del kimono es de color blanco, y la banda que lleva en la parte baja del kimono (naga-juban) es de color rosado. El kimono no lleva ningún tipo de elemento decorativo en el dorso.
OBI
Hasta por el Obi las reconoceréis!!! =O). El Obi es el cinturón que va desde la parte baja del pecho, un poco más abajo de los senos, y que va hasta la parte baja del abdomen. El mismo, además de su función decorativa, le sirve tanto a la geisha como a la maiko para reforzar la espalda, y poder mantener la postura que utilizan sentadas de rodillas por más tiempo, es decir les sirve de soporte.
Maikos: El Obi de las maikos mide aproximadamente 5 metros de largo, con hermosos diseños de fondo, y elegantemente terminados con hilos en dorado y plata. El obi se ata en la parte trasera, pero sus extremos se dejan sueltos, llegándoles incluso a sus talones.
Geisha: Se denomina maru-obi el obi usado por las geishas. Éste es menos ancho que el de las maiko, aproximadamente 60 cms y mide 4 metros de largo. El mismo se pliega en dos, como formando una almohadilla y es anudado de forma cuadrada en el dorso.
OBI-JIME
Es una cuerda que se usa a manera de cinturón, en medio del Obi. Fue introducido en Japón junto con el Budismo, razón quizás la que explica que sirva de elemento decorativo en muchos templos y santuarios.
Maikos: El Obi-jime tiene un ancho de tres centímetros y medio, y es de diferentes colores vistosos, rojos, verdes, amarillos, rosas, dorados.
Geisha: Es mucho más estrecho que el de las maikos, de 2 cms aproximadamente, y son usados en colores pasteles pálidos.
OBI-DOME
Es como una especie de pasador, que se coloca a nivel de la cintura frente al Obi.
Maiko: Son llamados pocchiri, y suelen ser muy decorados, en coral, amatista, jade, agatas, y son muy pesados.
Geisha: Como de costumbre, son más pequeños que el de las maikos, y menos elaborados, algunas incluso ni los utilizan. Son hechos con conchas de tortuga, de coral y de otros materiales.
OBI-AGE
Es una larga y estrecha banda de seda, que ayuda a mantener el obi en su sitio.
Maiko: Es de color rojo, con detalles decorativos en color dorado o plata, y el mismo es visible (debajo del Obi)
Geisha: Es de color rosa, o de cualquier color pastel pálido, no es visible ya que se coloca en el interior del Obi.
ERI
El eri es el cuello del kimono. Es una banda de tela larga y estrecha.
Maiko: Es de color rojo, y lleva bordado detalles decorativos en hilos dorados y plata, y pequeñas perlas de nácar. En éste se borda el escudo de la Okiya a la que pertenece la maiko. Debido a lo ornamentado en detalles, el cuello se vuelve pesado.
Geisha: Cuando se realiza la ceremonia del erikae, se realiza el cambio del cuello del rojo al blanco. Éste carece de detalles decorativos.
TABIS
Son los calcetines blancos, que tanto las maikos y las geishas llevan con las sandalias o suecos. Se cosen con una separación en los dedos, para que sea más fácil de ponerse el calzado respectivo, y los mismos son hechos a la medida de los pies de las maikos y geishas.
HAKIMONO
Es el nombre genérico que recibe el calzado usado por las maikos y las geishas, una vez más varia de una a otra.
Maiko: Utilizan sandalias o suecos, llamadas Okobo de aproximadamente 10 cms de alto son de paulownia, que es una madera autóctona de Japón. La cinta que va entre los dedos, cambia de color a medida que avanza en su aprendizaje, comenzando por el rojo, continua el rosa, y finalmente el color lila. Los okobo llevan un cascabel dentro, por lo que es normal que cuando se escucha uno, una maiko debe de estar a punto de aparecer a nuestros ojos.
Geisha: Las geisha también llevan suecos y sandalias, éstos reciben el nombre de Geta, pero son mucho más bajos que los de la maiko.
En verano, tanto las maikos y las geishas utilizan las sandalias lacadas en negro, ya que con la transpiración la otra madera se mancha, y era muy antiestético ver las manchas en las sandalias cuando se dejaban en la entrada de las ochayas.
Otro tipo de sandalia, que llevan tanto las maikos y las geishas, son las zori. Éstas son en cuero, y van recubiertas en la parte superior de una especie de material parecida al tatami.
OZASHIKI-KAGO
Es una bolsa, a manera de saco, y con forma de caja o bombonera que utilizan tanto geishas como maikos. Como de costumbre, el de las maikos es de colores llamativos y estampado, y el de las geishas es más discreto y en colores pasteles.
Éste se ha sustituido en la actualidad por un bolso de mano, pero con las mismas características en cuanto al color, para diferenciar a maikos y geishas.
KASA
Son los famosos paraguas o sombrillas, que están realizados en hermosas telas de seda, y en un delicado bambú. En la antigüedad, su utilización estaba muy extendida, de hecho era un implemento necesario y distintivo tanto de geishas y maikos, hoy en día es poco frecuente su uso. Como de costumbre, los colores son el punto característico de su diferenciación. Las maikos los usaban en color rojo, y las geishas en color rosa, u otros colores pasteles pálidos.
Cuan
do la geisha decide retirarse de la vida pública, se realiza la última ceremonia dentro de su vida como geisha. La ceremonia se denomina Hiki-iwai, y puede tener varias connotaciones en la actualidad, que la geisha ha alcanzado edad avanzada para las labores propias de una geisha, porque se quiere retirar definitivamente, porque se casa, o porque decide abrir su propia ochaya, o una okiya, e incluso otro tipo de negocio dentro del hanamachi.
do la geisha decide retirarse de la vida pública, se realiza la última ceremonia dentro de su vida como geisha. La ceremonia se denomina Hiki-iwai, y puede tener varias connotaciones en la actualidad, que la geisha ha alcanzado edad avanzada para las labores propias de una geisha, porque se quiere retirar definitivamente, porque se casa, o porque decide abrir su propia ochaya, o una okiya, e incluso otro tipo de negocio dentro del hanamachi.
En la antigüedad, una geisha se podía retirar cuando su danna pagaba la totalidad de su deuda con la okaasan de la Okiya.
En cualquier caso, la geisha debe preparar esta celebración, invitando a todas que la han ayudado durante su carrera, incluyendo la okaasan, y a sus colegas del hanamachi. La geisha ofrece de regalo a sus compañeras, oneesan, y okaasan cajas con arroz, las cuales expresan la gratitud y llevan un mensaje oculto. Si el arroz es blanco y cocido, quiere decir que no volverá más al hanamachi, mientras que si está llena de arroz y de judías rojas, existe una posibilidad de que vuelva.
Dentro de la Okiya la geisha recibe un papel, como símbolo de su liberación. Éste es triangular, y lleva caligrafiado el nombre de la geisha, su verdadero nombre y el kanji hiki-iwai.
Muy pocas geishas corrían con la suerte de ser esposadas, una quimera el amor, la mayoría han muerto solas y abandonadas.
GEISHA MODERNA
Os he hablado de cómo era una geisha y maiko en la antigüedad, pero las mismas costumbres en cuanto al peinado, maquillaje, uso del kimono, y toda la serie de accesorios, se siguen manteniendo en la actualidad.
En la actualidad, las mujeres que deciden ser geishas lo hacen por libre albedrío, las niñas no son vendidas, y lo hacen por mantener la tradición de su país. Las ceremonias siguen siendo las mismas, pero el mizuage es de libre elección.
Muchas son estudiantes, lo cual les permite obtener un dinero para sus estudios, hablan varios idiomas, y estudian las mismas artes de las geishas en la antigüedad (tocar el shamisen, o la flauta, la danza, la ceremonia del té, etc.), otras están incluso casadas, y compaginan sus actividades de amas de casa, con las de ser geisha. Manejan Internet, hablan por teléfono móvil, e incluso hay una que hasta tiene una página Web donde cuenta la vida en un hanamachi (lo leí en algún sitio, pero no sé su dirección =O ( ). El tema de la sexualidad, también es algo que se deja a su libre elección, e incluso existe alguna que pueda tener un danna.
La proliferación de pubs, discos, y bares, ha hecho que naciera otro tipo de negocio, como lo son las damas de compañía; jóvenes japonesas que están en estos locales, que atienden a los clientes intentando que consuman gran cantidad de alcohol.
Debido a este fenómeno, y a partir de la II Guerra Mundial, el número de geishas y maikos ha disminuido considerablemente, pasando de 80.000, a 25.000 en la Era de Meiji, y a sólo 10.000 en la época actual.
En cualquier caso, al ver a esas hermosas mujeres, cargadas de tantos detalles y simbología nos transportan hasta aquella época, y quizás parte de su tristeza se escondía en sus caras de mimo, reflejando una imagen bucólica de ellas, pero en su faceta de teatro siempre han mostrado al mundo la imagen de simpatía, seducción y fascinación. Un mundo de mujeres, controlado por mujeres.
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